制作大型管弦乐的 35 条贴士

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· Vollane 添加于 2015-07-20 · 共有 7 条评论

利用现有的虚拟乐器我们已经可以实现足够逼真而恢宏的管弦乐制作了。不过一些管弦乐相关的背景知识还是必不可少的。如图,这里给出的是典型的当代美式大型管弦乐队排位,最“安静”的乐器(弦乐,木管等)坐在乐队前面,而动静最大的(定音鼓,打击乐,铜管等)则可以在编制的后面找到。


图1 当代美式大型管弦乐队的座位安排。图中显示的乐器数目仅是用于图解说明哈,并非实际编制用到的乐器数目!其实实际编排用到的数目总是可以在一个相当的范围内变化的。

1 知己知彼——了解乐器特性

先去了解一下各种乐器的声域范围(记得VSL有张很有用的“海报”),音色和每种管弦乐器不同的演奏风格!只有这样你才可以在你的作品中让他们发挥出最佳的音色效果

2 DAW宿主模板

为自己准备一份供编曲使用的虚拟乐器模板(Template),把所有要用到的乐器加载好,调整配置到位,然后保存好。

3 平衡调整(Pan)

一些管弦乐音色库的乐器在录制时就已经摆在了他们的典型编制位置,所以加载这些乐器后你也不用为他们的摆位做过多调整。不过如果不是这种情况,如何把乐器们摆放在相应的声场中就是十分重要的了。这时我就建议你根据上面提供的那个排位图像来设置平衡调整。当同时演奏那四个最靠前也是最重要的弦乐声部时,得到的声音结果应该是比较均衡的。然后再试一试,把第二小提琴(second violins)放在大提琴右边:此时当第一小提琴和第二小提琴演奏同音时,你是否感觉到了你的旋律铺满了整个声场?

4 声音信号的深度

我们先来进行一些测试。先把混响模式选择为“音乐厅”(Concert Hall)或者其他大声场,以便再现管弦乐队演奏时在大厅里的空间效果。摆放在前方的乐器们在现实中会显得相对响度大些,不过同时利用到的混响稍微少些。放置在后方的声源则显得较为安静,同时“享受到”更多的大厅(或者教堂Church,或者…)效果。然后把这个大厅效果发送到推子前(pre-fader)。此时乐器们分配到的混响都是相同的,响度也都一样,所以你只能用它们各自的音量推子将乐器调整响度,从而得到向前部或后部移动的效果。

5 音高的间隔(Pitch Interval)

避免在低音音域内使用过小的音程(例如二阶、三阶),因为在低音部分这些很容易使得整个混音显得闷闷的!在较高音域可以多用密集的音程间隔,但是低音一定要用较大的音程!

6 和声总是好的

一个精心设计的三、四或更多重的和声是想要得到一个令人满意的管弦乐音效的基本前提。

弦乐声部

弦乐声部由第一和第二小提琴、中提琴(Viola),大提琴(Cello)和低音提琴(Kontrabass或Doublebass)组成。

7 调制轮(Modwheel)

一定总要给弦乐配上动态变化和表情!一般情况下可以通过MIDI“表情(Expression)”通道CC#11还有调制轮CC#1来控制。我们往往会在旋律的高点给弦乐配上强烈、较高的动态,而在乐段结束时缓慢地减少动态,放缓表情。

8 演奏技法(Articulation)

弦乐手们除了知道断弓(Staccato),波弓(Portato)和连弓(Legato)这些谁都知道的技法外和可以演奏很多其他的技法。而作为作曲师编曲师你也应该知道这些技法,从而可以更好利用弦乐声部来表达感情。比如说:

  • 分弓(Détaché):是一次运弓方向(称作上弓和下弓)的运动只拉响一个音的弓法。它是一切弓法技术的基础。这样通过改变弓方向为各音符创建出一个“非连奏”,从而用来给每一个音符进行强调。
  • 跳弓(Spiccato):让弓在琴弦上轻轻跳跃的一种演奏技巧。这在动作快速的乐段表达效果十分明显,尤其是在较低的音域里。
  • 揉音(Vibrato):利用揉音,你可以有效地增加乐段的表现力。特别是常在一个音符逐渐加大力度时,颤音借由手指在弦上的揉动,达到音高上起伏的效果。
  • 撞弓(Saltando),或者抛弓(Jeté)、飞奏(Ricochet)之类的,是演奏者几乎用琴弓“抛向”琴弦,从而使琴弓在弦上跳上两或更多次跳这种技法。这一技法通常适宜用于弱奏或者为有规律的节奏音型之中。
  • 9 倍增配器

当只有一个弦乐器演奏的旋律时,如果声音效果显得太单薄,这时就需要“倍增”配器了。这招特别适合音域接近的乐器组们,比如说小提琴倍增中提琴,或者中提琴倍增大提琴,让他们演奏同音,这样旋律的增强效果会很显著。

10 多劳多得 :D

无论你是按上面说的那样倍增了同音,还是错开一个八度倍增——永远要把这段MIDI录制两遍!正是通过你这两遍录制出现的这些小的不准确不同步性,才能更真实地创建出一个更自然真实的效果。

11 大提琴和低音提琴

大提琴往往和低音提琴倍增(同音或岔开八度)——这样可以使低音线更加清晰。在极富有感情的旋律的低音线中,常用到的手法则是简化低音提琴的任务角色(比如说只用拨奏演奏重要的那几个音符)。

12 “同音”的倍增

两种乐器之间最好也是最自然的搭配是同音域甚至同音高的倍增。这样他们就可以在音色上互为补充,并提供新的色彩。

13 弦乐和木管乐器的倍增惯例

  • 小提琴 + 长笛(Flute)/短笛(Piccolo)/双簧管(Oboe)/单簧管(Clarinet)
  • 中提琴 + 双簧管/英国管(English horn)/单簧管/巴松管(Bassoon)
  • 大提琴 + 单簧管/低音单簧管(Bass Clarinet)/巴松管
  • 低音提琴 + 低音单簧管/巴松管/倍低音管(Kontrabassoon)

14 弦乐和铜管乐器的倍增惯例

这里将再次体现出上文中平等音域乐器搭配倍增的原则:

  • 小提琴 + 小号(Trumpet)
  • 中提琴 + 圆号(French Horn)
  • 大提琴 + 长号(Trombone)
  • 低音提琴 + 大号(Tuba)

木管乐器

木管乐器包括短笛,长笛,双簧管,英国管,单簧管,低音单簧管,巴松管和倍低音管。

15 呼吸的限制和摆位的广度

为木管乐器写谱子时,不要忘了他们和弦乐声部至关重要的一个区别——管乐器是吹奏的,他们的乐手需要时不时地换气(弦乐手则可以自由呼吸 :D)!当你把木管声部演奏的音符分开放置在较宽广的范围时,他们演奏合奏的和弦往往更加优雅动听。(比如说同样是C大调和弦,C-G-E就跨了超过八度比C-E-G分散得多!)

16 作为旋律乐器

如果要用木管来演奏旋律的话,还是要尽量使用独奏乐器。因为现在的群奏虚拟乐器仍然不太能让人信服。双簧管的中音音域是首选,因为他在这个范围内的表现力最佳,可以更好地描绘愉悦欢快,悲伤寂寞和思念等等的各种场景和情感。

17 长笛

在较低的音域长笛所表现的情感往往是忧郁的,而且很容易被其它乐器淹没。而他的中间音域作为独奏的话则柔和而醇厚,从而被经常使用。在高音域里他则经常被用来和小提琴声部搭配倍增。

18 单簧管

单簧管连奏的声音特别柔和优美而富有表现力。所以他经常被用于引导旋律。它的主要演奏范围是在他的较高音域,此处他的音色非常有明亮有穿透力,同时情感内容的范围也可以很广泛——从温柔到激情。

19 巴松管

各个音域的音色有很大的不同:当要表现严肃和骄傲的主题时,经常使用他的低音音域,因为这里听起来更厚重一些。在中间音域也也就是其演奏的主音域,巴松则显得高雅而悠扬,可以表达从惆怅到快乐的情绪——不过这种快乐多少会含着一种妖魔鬼怪的感觉。高音域则听起来狭窄拥挤,常被用来表达焦虑,悲伤和痛苦等情感。

20 和铜管搭配

让木管乐器演奏高声部,铜管乐器演奏低声部,这样做效果之所以好,是因为铜管给木管奠定了基础。不然的话这种搭配多数会是失败的,因为木管乐器会被铜管淹没掉。

铜管乐器

铜管乐器包括小号,圆号(或称“法国号”),长号和大号。

21 简述一下

铜管在演奏极端音域时(极端的高或低)通常效果不是很好。如果把小号们的音符像上面说的木管和弦一样摆放得很疏散,他们的音色则大多是有些空洞而不那么好听的。演奏的音符安置在靠得很近的同一区域时,小号和圆号则会完美协调。

22 小号

小号的主音域是中间部分,此处的小号的音色是非常明亮的,在弱力度的合奏里也可以表现良好。这点还使得它们非常适合担任表达主旋律或独奏的角色。

23 长号

长号在其音域的任何部位音色效果都是棒棒滴。虽然低音部分演奏弱力度时至于长号的较高音域,则是光明的,但是也富含金属感,和圆号一样共同享有趣味感和魔幻感。

24 圆号

圆号在中间音域的三度音,五度音或六度音都听起来不错。由于随着吹奏的力度的增加圆号的音色也从柔和变得粗糙,十分明显,这里强烈建议大家善用调制轮来控制圆号的动态和表情。如果大号吹奏低音,圆号就最好演奏和大号较远的音符。和木管和弦齐奏时,圆号可以在较低的音域起到一个低音垫的作用。圆号最具特色的音色则在他的较高音域。

25 长号和圆号的搭配

长号的音色在中频范围最佳。它们和圆号倍增时效果最佳:在高音域长号给圆号增添了明亮感,低音域长号的金属感又会被圆号覆盖。

打击乐及其他乐器

这一部分包括定音鼓(Timpani) ,三角铁(Triangle),木琴(Xylophone),手钹(Cymbal)和军鼓(Snare drum)等等打击乐器。作为乐团的其他乐器还有竖琴(Harp),钢片琴(Celesta)等等。

26 定音鼓和弦乐

很多戏剧性很强的乐句里,经常用到弦乐声部通过震音(Tremolo)演奏的和弦外加伴随着他们的定音鼓连续击鼓声。另外可以通过弦乐震音和定音鼓的连击实现渐强和渐弱效果,有效地引入下一乐段的场景设置。

27 手钹和军鼓

手钹是作曲家希望突出亮点或重点时可以使用的理想乐器。但它也可用于增强其它乐器音色的明亮感。军鼓的连续击鼓也可以有效地和弦乐一起达到很好的渐强效果。

28 竖琴和长笛

竖琴常常在乐团起到一个填充的功能,因为竖琴的琶音(Arpeggio)非常的美丽明亮。竖琴和长笛在一起则可以形成一个特别受欢迎的组合:长笛演奏旋律,而竖琴陪同为旋律加上装饰。

情绪和表达

29 曲调和感情特征

五度关系圆圈(Circle of fifths)可以显示出各个曲调音符彼此之间的关系。以C大调(C Major)为中心,向加升号的曲调(G,D,A,E大调…)发展会逐渐变得明亮,而向带降号的曲调(F,降B,降E,降A大调…)发展会逐渐变得昏暗暗(见图片)。这张转盘图在曲调的选择,以及旋律的发展和变化上都可以提供宝贵的帮助。例如说从降E大调发展到A大调可以提供6阶的明亮化过渡。


图2 传说中的五度关系圆圈……

30 描绘图景的预测

在乐曲行进的过程中,你可以给听众们一些微妙的线索,给他们一种通过察觉音乐的行进而产生什么将要发生的预感,不要把变化搞的过于突然。

31 一般的休止暂停

有时休止你的乐团才是表达感情、描绘场景最有效的方法。所谓“此时无声胜有声”嘛。这招特别是当一个恢宏的、“大张旗鼓”的强奏之后,完全休止暂停往往比紧接着继续进行音乐所能表达的效果好很多,因为这种强烈的对比在此处时必须的。

32 主旋律

在影视配乐作品中,作曲家经常会给重要的角色、团体、地点或事件经常编写配置一段独特对应的主旋律,如果是一个角色的话,这个主旋律最好是可以代表他的性格的(英勇无畏或凶险狡诈),如果是地点的话则可以代表地点的象征或特征(仙境?地狱?庄严?)。这样的话你的作品会更富有情节感,吸引听众。几个很好的例子:《加勒比海盗》,《星球大战》,《指环王》的配乐。

33 作曲家的时间机器

作为一个作曲家,你可以用音乐影响听众对时间进程的感知:如果你在相同长度的乐段中运用的是节奏舒缓的音乐,人们就会感觉这段时间过得很快;相反如果你在相同长度的乐段中运用的是紧张刺激节奏快的音乐,人们则会感觉这段时间过得很慢。

音程都说明了什么?

作为电影音乐家,你应该认识到音程不只是意味着两个音符之间的间隔,而是他们往往还含有某些规则的情感表达。

34 方向

通常情况下向上的音程会给予乐曲更多积极的气氛,而下行的音程则经常被用来表达负面、阴暗的情绪。不过当然和任何事情都一样,在音乐中也有不少恰好相反的情况,但是上述规则更为常见。

35 大小

音程的大小通常也有不少需要你注意的含义,这些特征你可以和人类在情绪支配下的活动类比:一个抑郁消极的人更可能很少或基本不进行运动(小音程适合描绘消极、微妙的情感),然而一个兴高采烈的人往往是手舞足蹈的(大音程适合描绘激动、兴奋的情感)。


本文出自《midifan月刊》2015年5月第111期


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文章出处:http://magazine.midifan.com/detail.php?month=2015-06#27做人要厚道,转载文章请注明出自 midifan.com,谢谢

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